Koreografi, konsten att skapa och arrangera danser. Ordet kommer från det grekiska för "dans" och för "skriva." På 1600- och 1700-talet betydde det verkligen den skriftliga uppteckningen av danser. På 1800- och 1900-talet förändrades dock meningen, felaktigt men universellt, medan den skriftliga skivan blev känd som dansnotation.
dans: koreografi
Koreografi är konsten att göra danser, samla och organisera rörelser i ordning och mönster. Senaste
En kort behandling av koreografi följer. För fullständig behandling se dans: Koreografi; dans, västerländsk.
Danskompositionen är kreativ på samma sätt som musikkompositionen är. Noteringen av dans är emellertid ett arbete med analys och rapportering, utfört vanligtvis av andra människor än koreografen, på språk eller tecken som kanske inte kan förstås av skaparen.
Under renässansen lärde dansmästare i Italien, som Domenico da Piacenza, sociala danser på domstolen och började antagligen uppfinna nya eller arrangera varianter av kända danser och därmed kombinera en kreativ funktion med sina pedagogiska. Den iscensatta baletten använde samma steg och rörelser som social dans och skilde sig från den främst i golvarrangemang och visuell projektion.
På 1500-talet organiserade dansmästare vid den franska domstolen golvmönstren och teatraliska och konstnärliga sammanhang i deras sociala danser för att initiera en koreografisk form, ballet de cour. Under de två århundradena som följde ökade klyftan mellan socialdans och teaterdans tills balett på 1800-talet uppnådde ett i princip oberoende ordförråd.
Balletmästaren i denna tid, koreografen, var en arrangör av dans som teaterkonst. Jore från den sena 1700-talets koreografiska konst var Jean-Georges Noverre, vars verk och skrifter gjorde att den dramatiska baletten, eller ballet d'action, firades. I detta införlivade balett både mimik och akademiska danser, vilket gav uttryck för dansen genom berättande och histrioniskt sammanhang. Efter Noverre och hans samtida Gasparo Angiolini utvecklade andra denna trend på olika sätt - särskilt Jean Dauberval i den realistiska föreställningen av samtida countryfolk, Charles Didelot när han rörde sig mot romantisk scen illusion och fantasi, och Salvatore Viganò i den dramatiska användningen av ensemblen (koreodramma) och naturlighet i tragisk gest.
Koreograferna för den romantiska rörelsen använde balett, som kodifierades av sådana mästare som Carlo Blasis, främst i ballet d'action-teatraliska former av Noverres tid eller i opera-avledningar (balletiska mellanrum). Ballerina, hennes roll förstärkt av det nyligen uppfunna pointework (balansens position på extrema tåspetsen), och kvinnliga corps de ballet fick båda ny framträdande. De koreografer som bäst utvecklade konsten att teaterdans berättelse var August Bournonville i Köpenhamn; Jules Perrot, särskilt i London och St. Petersburg; och Marius Petipa, som i S: t Petersburg förde den spektakulära klassiska ballet-handlingen till sin topp i sådana verk som The Sleeping Beauty, där utökade och komplexa sviter av klassisk dans gav poetiska och metaforiska uttryck till handlingen.
Tidig modern dans i USA introducerade nya element av rörelse och uttryck; och i balett betonade Michel Fokines verk mer naturalistiska stilar och en kraftigare teaterbild än Petipas balettklassisisme. Sedan dess har koreografiska former varierat mellan polerna för representation och abstraktion.
Dansnotation under 1900-talet handlade om grundläggande rörelser och formell dans och fick hjälp av uppfinningen av nya system av abstrakta symboler - de av Rudolf von Laban och Rudolf Benesh som var de mest inflytelserika. Labanotation var den första som indikerade varaktighet, flytande eller rörelsens intensitet. Idag fortsätter dessa system och andra att utvecklas snabbt, förstärkta med film och videoband.
Koreografi utvecklades inte mindre snabbt. Metoder för komposition varierar radikalt - vissa koreografer använder sina dansares improvisationer som råmaterial, andra tänker varje rörelse före repetitionen. Merce Cunningham förändrade radikalt sammanhanget för koreografi i sin inställning till musik och dekor som sammanfallande (snarare än samarbetsvilliga eller stödjande) till dans, i hans anställning av chansmetoder i danskomposition och organisation, och i hans användning av icke-teatraliska performance-utrymme. Han, George Balanchine och Sir Frederick Ashton blev de ledande exponenterna för klassisk eller abstrakt dans; men de två senare - som Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins och andra - producerade också stora representativa verk av koreografi. De enda absoluta reglerna i koreografin idag är att den bör lägga på ordning på dans utöver nivån av ren improvisation och att den ska forma dans i rymdens tre dimensioner och den fjärde dimensionen av tiden, såväl som enligt människans potential kropp.
