Operamusik

Venetiansk opera

Invigningen tidigt 1637 av det första offentliga operahuset, Teatro di San Cassiano i Venedig - ett kommersiellt företag för en av stadens rika handelsfamiljer - var en annan avgörande faktor för utvecklingen av opera. Denna händelse tog slutligen opera bort från den exklusiva beskydd av royalty och adel och placerade den inom räckhåll för alla utom de fattigaste sektorerna i den italienska stadsbefolkningen. I slutet av seklet hade Venedig nio sådana kommersiella teatrar, ett antal av dem ägnade åt opera. Även om teatrarna inte alla verkade samtidigt, lockade de ändå och tävlade om nationella och internationella publik. Således började en trend under mitten av 1600-talet till förmån för tomter med mer sensationella ämnen som inkluderade element av intriger, förklädnad och bedrägeri och som krävde detaljerade maskiner. Kommersialiseringen av opera ledde också till en ökad påverkan av sångare; ökningen till framträdande av kastrati (män som hade kastrerats före puberteten för att bevara det höga räckvidden och renheten i deras pojkiga röster, nu förstärkt av deras fullt mogna kistor); och en samtidig betoning på arias över recitativ.

Västra teater: Opera

En av de mest varaktiga produkterna från renässansteatern var operaen. Det växte ut från experiment av Camerata, ett florentinskt samhälle

En elev av Monteverdi, Francesco Cavalli, blev den mest populära operakomponisten i sin era genom att förse operaen i Venedig med mer än två dussin operor mellan 1639 och 1669. Cavalli tillförde librettos som han satte till musik med dramatisk kraft och direkthet. Den mest berömda av hans opera var Giasone (1649; ”Jason”), vars libretto av Giacinto Andrea Cicognini inkluderade farciska avsnitt. Cavallis främsta venetianska rival och efterträdare var Pietro Antonio Cesti, vars arv inkluderar ett dussin operor, särskilt Orontea (1656; libretto av Cicognini). Venetianska kompositörer under andra hälften av seklet inkluderade Antonio Sartorio och Giovanni Legrenzi och i början av 1700-talet Antonio Vivaldi, som komponerade 49 operaer för Venedig och andra städer; många av Vivaldis operaer är nu förlorade. Den dyra publikationen av operapoäng upphörde när genren blev etablerad och aristokratiska beskydd avbröts. De flesta operaer varade bara en säsong, varefter de ersattes av nyuppdragna verk. Först sedan slutet av 1900-talet har några av dessa operaer, särskilt de från Cavalli, återhämtats och återupplivats.

Venetianska operaer var extravaganta affärer där de osannolika tomterna - en blandning av komiska och allvarliga element - utvecklades i enkel recitativ, och arierna tog på sig ett nytt, lyriskt formspråk. Arias gjordes vanligtvis i strofisk form (strofer sjöngs till samma musik) och flödande trippelmätare (slag i grupper om tre), och vissa hade repetitiva basmönster (ostinatos eller markbas) som förlängde plotterns uttrycksfulla höjdpunkter. Venetianska kompositörer utvecklade distinkta stilar och former för de många solo-arierna och duetterna och gav lite uppmärksamhet åt kören, som hade spelat en mer framträdande roll i florentinska domstolproduktioner och fortsatte att vara viktig för sina romerska samtida. Den resulterande skillnaden mellan recitativt och aria och det samtidigt fokuserade på solosångare blev karakteristiska drag i operaen under de kommande 200 åren. Dessutom ökade antalet arier i en opera gradvis - från cirka 24 i mitten av 1600-talet till mer än 60 år 1670. Därmed uppfattade den florentinska (och Monteverdianska) uppfattningen av en operas musik som oskiljbar från sin poesi och drama snart vändes av smak och önskemål från de betalande venetianska publiken, som tyckte om de visuella elementen i uppsättningar och kostymer, fick större glädje av musikalisk utarbetande än av tvingande dramatisk struktur och gav en atmosfär där rivaliteter blomstrade mellan operaföretag och bland deras högt betalda stjärnsångare.

Utveckling av operatiska stilar i andra italienska städer

Flera andra italienska städer utvecklade snart igenkännliga operatiska stilar på 1600-talet. I Rom, där förmögna prelater blev brinnande sponsorer för opera, utökade librettister utbudet av ämnen till att omfatta legender av helgon. De flesta av tidens romerska kompositörer, som Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi och Michelangelo Rossi, följde den florentinska traditionen genom att inkludera sångensembler och korfinaler (med dans) för varje akt. De divergerade från den florentinska stilen genom att öka kontrasten mellan arierna och recitiven, vilket gjorde att arierna kunde avbryta dramatisk kontinuitet och göra recitativen mer talande och mindre intressanta musikaliskt. De använde också komiska avsnitt för att lätta fram de rådande tragiska berättelserna (liksom venetianerna) och introducerade instrumentella överturer och övertyrliknande verk före handlingar eller avsnitt av handlingar.

Två romerska kompositörer - Mazzocchis bror Virgilio och Marco Marazzoli - citeras ofta för att ha skapat den första helt komiska operaen, Chi soffre speri (1639; "Han som lider, hoppar"). Dess libretto skrevs av Giulio Cardinal Rospigliosi, som skulle höjas till pavedomen 1667 som Clement IX. Rospigliosis mest berömda libretto, Sant 'Alessio (1632; ”Saint Alexis”), fick en inställning av Landi, som krävde en allsidig manlig roll, inklusive castrati i kvinnliga roller - ett annat inslag i opera i Rom, där kvinnor inte tilläts att sjunga på scenen. Operan återupplivades framgångsrikt i slutet av 1900-talet, med en ny ras av högt utbildade, virtuösa motverkare som tog de roller som ursprungligen var avsedda för castrati.

Opera var också en viktig del av musiklivet i Neapel, där stadens första permanenta operahus, Teatro San Bartolomeo, etablerades i mitten av 1600-talet. År 1700 konkurrerade Neapel Venedig som ett centrum för italiensk opera, till stor del på grund av verk och inflytande från Alessandro Scarlatti, som hade gjort sitt rykte i Rom. Scarlatti skrev minst 32 av sina 66 operor för San Bartolomeo mellan 1684 och 1702, innan kriget för den spanska arvtagningen (1701–14) fick honom att återvända till Rom. Av sina operaer, La caduta de 'Decemviri (1697; ”Decemvirernas fall”) - på en libretto av Silvio Stampiglia som innehåller inte färre än 62 arior - representerar Scarlatti på höjden av hans teaterkarriär. Han fortsatte att skriva operaer för Rom, Florens och Venedig, innan han återvände till Neapel 1709. Där började hans operas stil emellertid då föråldras.

En neoklassisk rörelse i opera, med ursprung i Venedig i slutet av 1600-talet, hade börjat rensa libretti från komiska scener och karaktärer och kräva enklare plott, baserat på tragedierna i de franska dramatikerna Pierre Corneille och Jean Racine, som använde upphöjda språk och upprätthöll det klassiska idealet om enhet av tid, plats och handling, vilket krävde att libretton hade en enda plot som äger rum på en dag och inom en enda plats eller miljö. Dessa värden återspeglades i en typ av opera känd som en opera seria (plural: opere serie), eller "seriös opera", till skillnad från en opera buffa (plural: opere buffe), eller "komisk opera." Scarlattis opere-serie är exemplifierande i sin användning av enhetliga tomter med mindre än 10 karaktärer, vars känslor och personligheter uttrycks i en serie da capo arias, en typ av arie som särskilt är associerad med napolitanska opere-serie. Da capo aria var en storskalig form i tre avsnitt (ABA), där den tredje upprepade den första "från capo, eller huvud" - det är från början. Formen bestod av en liten, rymd dikt, vars huvudidé fångades av ett eller två karakteristiska musikaliska motiv som utvidgades till en utarbetad solo full av musik och textupprepningar inramade av instrumental ritornelli. Kompositörens mål i varje arie var att skildra en eller två känslor bland ett brett spektrum av passioner för att skapa ett musikaliskt porträtt av en given karaktärs sinnestillstånd vid den tidpunkten i handlingen - en funktion liknande handlingen- stoppa film närbild idag. Scarlatti satte sina arier med ovanlig kvalitet och djup och gav dem rik och varierad instrumentering.

Anmärkningsvärt bland Scarlattis omedelbara efterträdare var sådana kompositörer som Nicola Porpora, Leonardo Vinci och Leonardo Leo. Denna generation samarbetade ofta med den dramatiska poeten Pietro Trapassi, känd som Metastasio - kanske den största av 1700-talets librettister, vars verk sattes av cirka 400 kompositörer fram till långt in på 1800-talet. Metastasio och hans venetianska föregångare Apostolo Zeno skrev texter av formell skönhet och språklig klarhet och fortsatte sedvanen att basera librettos på den grekisk-romerska legenden och pseudohistoria, med tomter som kretsade kring Dido, Alexander den Stora och Titus snarare än mytologiska hjältar. föredrar högtidliga, vanligtvis tragiska ämnen (operaseria) i tre handlingar framför komiska avsnitt och karaktärer.

Uttrycket napolitansk opera, förutom dess associering med operaserien, kom också att indikera en lätt gnistrande stil, ibland kallad galant, som baserades på förgrunden av graciösa vokalmelodier, presenterade i symmetriska, balanserade fraser. Dessa melodier sattes mot ett enklare ackompanjemang som var fria från de drivande rytmerna från tidigare arier (från barockperioden, motsvarande ungefär 17-talet och början av 1700-talet) och som stödde snarare än tävlade med rösten. Många av de kvaliteter som blev förknippade med den så kallade Viennese Classic-stilen på 1700-talet - särskilt instrumentalmusiken från Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart och Ludwig van Beethoven - hade sitt ursprung i den tunefula vokalstilen i napolitansk opera.

År 1730 hade italiensk opera, ibland i översättning, anlänt till cirka 130 europeiska städer och städer, från Köpenhamn till Madrid och från London till Moskva. De allt styvare och odramatiska konventionerna om operaserien ledde till kritik - till exempel den mordanta satiren Il teatro alla moda (”Teater à la Mode”) som publicerades 1720 av den venetianska kompositör-poeten-statsmannen Benedetto Marcello. De grundläggande elementen i recitativa och aria, enstaka ensembler och kör bibehölls fram till idag, även om deras proportioner i förhållande till varandra varierade. På 1700-talet var italiensk opera verkligen ett internationellt medium och det enda fordonet genom vilket en framgångsrik kompositör kunde uppnå berömmelse och förmögenhet.