Kantata och oratorio
De ledande napolitanska operakomponisterna hjälpte också till att etablera den barocka efterträdaren till madrigalen - kantaten - som uppstod som en sekulär form för solo-röst med instrumental ackompanjemang. Giacomo Carissimi standardiserade formen som ett kort drama i vers bestående av två eller flera arior med deras föregående recitativ. Kantaten infördes i Frankrike av en av Carissimis studenter, Marc-Antoine Charpentier; Louis Nicolas Clérambault fortsatte traditionen i den sena barockperioden. Med den blekna stilistiska skillnaden mellan helig och sekulär musik omvandlades kantaten snabbt till kyrkliga ändamål, särskilt i Tyskland, där det blev den främsta dekorativa servicemusiken för den lutherska kyrkan. Dietrich Buxtehude och Johann Kuhnau var två av de ledande kompositörerna av sådana kyrkokantater.
Medan de nya concertato-teknikerna tillämpades på etablerade former av kyrklig musik, såsom massa, service, motet, hymne och kor, framkom nya former som var tydliga avvikelser från renässansstilar och -typer. Oratoriet och inställningarna i Passion-berättelsen utvecklades samtidigt med opera och på nästan identiska linjer, bestående av recitativ, arier, vokalensembler, instrumentella mellanspel och kor. Emilio del Cavaliere var ”grundaren” av oratoriet med sin La rappresentazione di anima e di corpo (The Representation of the Soul and the Body). Tillverkade i Rom 1600, detta arbete, till skillnad från sann oratorio, använde skådespelare och kostymer. Carissimi och Alessandro Scarlatti var de främsta italienska barockkomponisterna av oratorio, och Heinrich Schütz, en elev till både Giovanni Gabrieli och Monteverdi i Venedig, var den ledande tyska århundradets tysk kompositör på detta område.
Instrumental musik
De nya teknikerna för Le nuove musiche hördes i musik för instrument, speciellt nu när de deltog i genrer som tidigare skrivits för ensamkommande röster (t.ex. motet). Formerna och medierna av instrumentalmusik förblev väsentligen densamma men med betydligt olika betoning. Luten tappade till exempel status snabbt med uppkomsten av cembalo som det vanligaste instrumentet för kontinuerlig ackompanjemang av dramatiska produktioner. Orgelet, som det traditionella kyrkliga instrumentet, behöll sin position och assimilerade de utvecklande formerna.
Modifiering och utvidgning av äldre former
Danspar från renässansen växte, ungefär mitten av 1600-talet, till danssviter som i princip bestod av fyra danser: allemande, courante, saraband och gigue, med valfria danser som gavotte, bourrée och minuet som ibland infördes innan den sista rörelsen. Variationsformer - chaconen (där en uppsättning harmonier eller ett bastema kontinuerligt upprepas), passacaglia (där temat upprepas men inte nödvändigtvis i basen), tillsammans med markbas och variationer på välkända melodier — Fortsatt att vara populärt. De fria formerna fortsatte också i mönstren från deras renässans antecedenter, medan de växte i dimension och uppfinningsrika. Toccata, förspel och fantasier utvidgades till multisektionella former med hjälp av de tre grundläggande instrumentella strukturerna - imitativ kontrapunkt, ackordhomofoni och virtuos passionsarbete - i kombination, växling och kontrast. Renässans fugalformer, främst kanonan och ricercar, utvecklades gradvis till den sena barockfugaen, och cantus firmus kompositioner fortsatte att blomstra som ett resultat av deras liturgiska funktion.
Sonaten och konserten
De viktigaste nya kategorierna av instrumentalmusik under barockperioden var sonaten och konserten. Ursprungligen tillämpas på instrumental ensemblelement härrörande från kanonan, termen sonata blev beteckningen för en form som skulle dominera instrumentalmusik från mitten av 1700-talet fram till 1900-talet. I sin tangentbord manifestation var det en binär (tvådelad) struktur som liknar en dans-svittrörelse. För liten ensemble utvecklades den till en serie oberoende rörelser (vanligtvis i ett långsamt - snabbt - långsamt - snabbt arrangemang) som kallas en sonata da chiesa ("kyrksonata") eller en danssvit som kallas en sonata da kamera ("kammarsonata")). Särskilt framträdande var triosonaten, för två fioler (eller flöjter eller obo) och cello med continuo. Så småningom antogs liknande former för orkester (sinfonia eller concerto), för orkester med en liten grupp med instrument (concerto grosso), eller för ett soloinstrument med orkester (solo concerto). Den grundläggande principen för konserten var kontrasten mellan instrumentgrupper och musikaliska strukturer.
Under perioden blommade tangentbordsmusik, särskilt i händerna på Jan Pieterszoon Sweelinck i Nederländerna, Johann Pachelbel och Johann Froberger i Tyskland, Girolamo Frescobaldi i Italien och Domenico Scarlatti i Spanien; i Frankrike inkluderade de viktigaste exponenterna Rameau och François Couperin.
Instrumental ensemblemusik, både kammare och orkester, dominerades av italienare, främst från Bologna, den Bolognese skolan som producerade kompositörer som Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi och Giuseppe Tartini. Purcell i England och Couperin och Jean-Marie Leclair i Frankrike är representativa för de många kompositörerna i andra länder som påverkades av italienska modeller av instrumental ensembelmusik.
