Porträtt
Ritade porträtt från 1500-talet - till exempel av Pisanello eller Jan van Eyck - kan betraktas som avslutade bildverk i deras koncentration, utförande och distribution av rymden. Den tydliga avgränsade representationen följer varje detalj på ytan och strävar efter realism. Profilen är rik på detaljer att föredra; liknar lättnad, det är besläktat med medaljongen. Nästa, framträdande för den rena profilen, kom tre-fjärdedelsprofilen, med dess mer rumsliga effekt, fram till för att förbli i århundraden den klassiska porträttställningen.
Den nära relationen till målningen gäller praktiskt taget alla porträttritningar från 1400-talet. Även ett så kraftfullt verk som Dürers ritning av kejsaren Maximilian härstammade som en porträttstudie för en målning. Men samtidigt utgör vissa av Dürers porträttritningar tydligt den slutliga scenen för ett konstnärligt företag, en ambivalens som också kan observeras i andra 1500-talsporträtt. Jean och François Clouets verk i Frankrike och den yngre Hans Holbein i Schweiz och ännu mer markant i England under samma århundrade gav en autonomi på porträttritning, särskilt när en ritning avslutades i krita i olika färger. Valet av det mjukare mediet, konturen, som för alla dess exakthet är mindre allvarligt fristående, och den mer delikata inre ritningen med plana element ger dessa ritningar en livligare, mer personlig karaktär och accentuerar återigen deras närhet till målningen.
Inom polykromatisk kritteknik och pastell behöll porträttritningen sin oberoende till 1800-talet. Under 1700-talet var Quentin de La Tour, François Boucher och Jean-Baptiste Chardin - alla dessa konstnärer från Frankrike - bland dess huvudutövare, och till och med Ingres, som levde på 1800-talet, använde fortfarande sin teknik. Vid pastellmålning överträffade porträttet alla andra ämnen.
I valet av pose, typ och utförande påverkas porträttmålning, liksom andra konstformer, av en allmän epokens stilistiska drag. Således följdes den sena barockens och Rococos extrema bildinställning av en allvarligare befruktning under neoklassicismen, som föredrog monokrom teknik och odlade liksom den speciella formen av silhuetten, en profilkonturkritning med området fylld i svart. Skyddarna av porträttritningar från början av 1800-talet riktade sig tydligt till skulderna från deras 1500-talets föregångare, och riktade ännu en gång till den exakta återgivningen av detaljer och plasteffekter som fick de mest noggrant utvalda grafiska medierna: den tunna, hårda pennan var deras favoritinstrument, och silverpunkten återupptäcktes också av romantikerna.
Mer intresserade av de psykologiska aspekterna av porträtt, föredragna sent på 1800- och 1900-talet föredrog de mjukare kritor som lätt följer varje konstnärlig impuls. Beslagen av karakteristiska element och en tillräcklig planåtergivning vägde tyngre med dem än realistiska detaljer. Humörelement, intellektuell spänning och personligt engagemang är typiska egenskaper för det moderna porträttet och därmed också för modern porträttritning, en konst som fortsätter att dokumentera konstnärens personliga hantverk utöver egenskaperna hos olika tekniker.
landskap
Så tidigt som på 1500-talet uppnådde också landskapsteckningar tillräckligt med autonomi så att det är svårt att skilja mellan den färdiga studien för bakgrunden till en viss målning och ett oberoende, fristående skissat landskap. Redan i Jacopo Bellinis skissböcker från 1500-talet (bevarade i album i British Museum och Louvre) finns det en intim koppling mellan naturstudier och bildstruktur; i Titians studio på 1500-talet måste landskapsskisser ha visats som förslag på bildbakgrunder.
Men det var Dürer som utvecklade landskapet som en erinrad bild och autonomt konstverk, kort sagt, som ett eget tema utan hänvisning till andra verk. Hans akvareller framför allt men också ritningarna av hans två italienska resor, av omgivningarna i Nürnberg och av resan till Nederländerna, representerar de tidigaste rena landskapsteckningarna. Århundraden var tvungna att passera innan sådana ritningar inträffade igen i denna absoluta formulering.
Landskapselement var också mycket betydelsefulla i 1500-talets tyska och holländska teckningar och illustrationer. Den figurativa representationen, som fortfarande existerar i de flesta fall, är formellt ganska integrerad i det romantiska skogs- och ängslandskapet, särskilt i Danubeskolans verk - till exempel Albrecht Altdorfer och Wolf Huber. Oftare än i andra skolor hittar man här noggrant utförda naturvyer. I Nederländerna ritade Pieter Bruegel topografiska åsikter såväl som fria landskapskompositioner, i båda fallen som autonoma verk.
På 1600-talet nådde naturstudien och landskapsteckningen som växte ut ur en ny höjdpunkt. Landskapsteckningarna av Accademia degli Incamminati (till exempel Domenichino) kombinerade klassiska och mytologiska teman med heroiska landskap. Franskmannen Claude Lorrain, bosatt i Rom, arbetade ofta under öppen himmel och skapade landskapsteckningar med en hittills ouppnådd atmosfärisk kvalitet. Denna typ av kultiverat och idealiserat landskap, avbildat också av Poussin och andra nordländer bosatta i Rom (de kallades holländska romanister med tanke på att så många konstnärer från Nederländerna bodde i Rom, deras teckningar av Italien uppnådde en nästan eterisk kvalitet), står i kontrast till det oheroiska, nära naturkonceptet av landskap som främst innehas av nederländarna när man skildrar landskapet i deras hemland. Alla landskapsmålare - deras landskapsmålningar en specialitet som starkt representerades i de konstnärligt specialiserade lågländerna - skapade också oberoende landskapsteckningar (Jan van Goyen och Jacob van Ruisdael och hans farbror och kusin, till exempel), där Rembrandt återigen innehöll en speciell position: fångar egenskaperna i en region ofta med bara några få slag, förstärkte han dem på ett sådant sätt att de förvärvar monumental uttrycksfull kraft även i det minsta formatet. I Italien från 1700-talet fick de topografiskt trogna landskapsteckningarna betydelse med tillkomsten av Vedutisti, tillhandahållarna av ”vyer”, och bildade en grupp av sig själva (bland dem Giambattista Piranesi och Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) och arbetade ofta med sådana optiska hjälpmedel som graticulate frame och camera obscura. Landskapsteckningar av större konstnärlig frihet, liksom imaginära landskap, gjordes mest framgångsrikt av några franska konstnärer, bland dem Hubert Robert; bildligt och atmosfäriskt nådde dessa teman en andra blomning i det borstdragna landskapet av sådana engelska konstnärer som Turner och Alexander Cozens, vars inflytande sträcker sig långt in på 1900-talet.
Med tanke på deras starka intresse för avgränsning observerade 1700-talets föredragare av neoklassicism och ännu mer romantik naturen med topografisk noggrannhet. Som en ny "upptäckt" tog nu den romantiskt och heroiskt överdrivna alpina världen sin plats i konstnärens sinne tillsammans med den arkadiska utsikten över det italienska landskapet.
Landskapsteckningar och ännu mer, akvareller, bildade ett outtömligt tema på 1800-talet. Den franska konstnären Jean-Baptiste-Camille Corot och mot slutet av seklet, Cézanne och van Gogh, var bland de främsta skaparna av landskapsteckningar. Landskap utgör en del av arbetet för många 1900-talets författare, men under stora delar av seklet tog genren som sådan andra plats i allmänna formproblem, där ämnet endast behandlades som en utgångspunkt. Under de senaste 30 åren av 1900-talet återgick emellertid ett stort antal amerikanska konstnärer till representation, vilket återinvesterade i landskapet som ett ämne.
Figurkompositioner och stilleben
Jämfört med huvudtema för autonom ritning - porträtt och landskap - är alla andra mindre viktiga. Figurkompositioner beror starkt på målningen av sin tid och är ofta direkt kopplade till den. Det var, säkert, konstnärer som behandlade sina ritningar med teman för monumental målning, såsom 1600-talets gravör och eter Raymond de La Fage; i allmänhet är emellertid det konstnärliga målet med figurkompositionen bilden, där ritningen representerar men ett användbart hjälpmedel och en vägstation. Genrescener, särskilt populära i 1600-talets låga länder (som gjort av Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade och Jan Steen, till exempel) och i 1700-talets Frankrike och England, uppnådde en viss oberoende ställning. På 1800-talet fanns det också teckningar som berättade historier om vardagen; ofta illustrerande med karaktär, de kan kallas "små bilder", inte bara på grund av det ofta mångfärgade formatet utan också för deras konstnärliga utförande.
Stilleben kan också hävda att det är autonoma ritningar, speciellt representationer av blommor, till exempel de av den holländska konstnären Jan van Huysum, som har varit populära ända sedan 1600-talet. Även här är det sant att ett väl utformat arrangemang förvandlar en omedelbar naturstudie till en bildkomposition. I vissa av dessa kompositioner är likheten med målningen mycket stark; pastellerna från 1800- och 1900-talskonstnären Odilon Redon, till exempel, eller verket av 1900-talets tyska expressionist Emil Nolde, med sin kromatiska intensitet, överskrider helt och hållet skiljelinjen mellan ritning och målning. I stilleben, som i landskap, är autonoma formprinciper viktigare för moderna konstnärer än det faktiska uttalandet.
Fantastiska och icke-representativa ritningar
Ritningar med imaginära och fantasifulla teman är mer oberoende av extern verklighet. Drömföreställningar, metamorfoser och sammanflätningen av separata nivåer och verklighetsregioner har varit traditionella teman. Hieronymus Boschs sena 15-talsfantasmagoriska verk är ett tidigt exempel. Det finns allegoriska bondescener av 1500-talets flamländska konstnär Pieter Bruegel och karnevaletsningarna av den 1700-talets franska konstnären Jacques Callot. Andra vars verk illustrerar vad som kan göras med teckning utanför landskap och porträtt är: den 1700-talets italienska gravören Giambattista Piranesi, 1700-talets anglo-schweiziska konstnär Henry Fuseli, 1800-talets engelska illustratör Walter Crane, 1800-talets franska Symbolistkonstnären Gustave Moreau och 1900-talets surrealistor.
Icke-representativ konst, med dess minskning av grundelementen i ritning - punkt, linje, plan - till ren form, bjuder på nya utmaningar. Genom avståelse från associativa kroppsliga och rumsliga förhållanden får utvecklingen av ritningens dimensioner och strukturen för de olika medierna ny betydelse. De grafiska egenskaperna för linjen i planet såväl som det omarkerade området hade redan betonats i tidigare tider - till exempel i grotteschi Giuseppe Arcimboldo på 1500-talet (de fantasifulla eller fantastiska representationerna av mänskliga och djurformer ofta kombinerade med varandra och vävda med representationer av bladverk, blommor, frukt eller liknande) och i kalligrafiska övningar som moresker (starkt stiliserad linjär prydnad, baserad på blad och blommor) - men mest som tryck- eller graveringsmodeller för de mest olika dekorativa uppgifter (inredning, möbler, redskap, smycken, vapen och liknande).
